《蒙娜·丽莎》——达·芬奇（后面分析，有兴趣的朋友可以看看，没兴趣就看画吧~~~�

不好意思，忘贴图了

《最后的晚餐》——达·芬奇

在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共同庆祝逾越节


的一顿晚餐。 


餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。 


在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖


他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。 


意大利伟大的艺术家列奥纳多·达·芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这


个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道


院的餐墙上的。 


沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲


伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。 


大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以


看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景


色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。 


在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶


稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道


他就是那个叛徒，犹大·伊斯卡里奥特。 


犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保


管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。 


即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达·芬奇的绘画方式，辨别出这


个罪恶的敌人犹大。

《向日葵》——梵�

梵高的艺术是伟大的，然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包


含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在代


的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改


变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的


误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永


远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20


世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部


所作的。


画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的


笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和


单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心的


画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同


融入到凡高丰富的主观感情中去。总之，凡高笔下的向日葵不仅仅是植


物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

《第一步》——梵�

这作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农


民的房屋，画的右方是一位农妇扶着小女儿帮助她学步，左方女婴的农民


父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。 


这虽然是梵高临摹的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用


色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受


到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到


日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。 


另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中


常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民


的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。

《创造亚当》——米开朗基�

这是米开朗基罗的代表壁画中的重要部分，因为他在佛罗伦萨的盛名，当


时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓，后又中断。1508年他


被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料


此壁画后来却成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左


右，是美术史上最大的壁画之一。


米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教


画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为


《神分光暗》，《创造日，月，草木》，《神水分陆》，《创造亚当》，


《创造夏娃》，《诱惑与逐出乐园》，《挪亚献祭》，《洪水》，《挪亚


醉酒》。 


这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，


书信都要置头顶仰视。这幅以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体


态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础


上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。

《梦》——毕加索

1927年，47岁的毕加索与长着一头金发，体态丰美的17岁少女初次相遇。


从此，这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年，64岁


的毕加索给她的生日贺信中说:“对我来说，今天是你17岁生日，虽然你


已度过了两倍的岁月。在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。”


《梦》这幅画作于1932年，可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的


体现。

《大宫女》——安格尔

这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学


生，安格尔走得太远了。他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学


家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做


了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的


俘虏（Procrustes; 传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过


榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。有时他感到沮


丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求


末，用刀鞘代替宝剑来决斗。” 


评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说：“他的这


位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作


传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样


呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。


假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。” 这幅《大


宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色


彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及


人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次是前面所说的夸张了的形体，这个


女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。