洛伦兹吸引子的行为可以用一个“水轮”模拟，该装置的主体是可旋转的竖直轮盘，轮盘周围装有一圈可以漏水的杯子，从轮子上方注水至杯中，调节注水速度，达到某一速度时，轮盘的转动出现混沌。这一模型是Willem Malkus和Lou Howard于1970年前后提出的，在2005底召开的荷兰物理教师年会上，Planeten Paultje展示了实物。
如庞加莱在《科学与方法》一书中所说，“初始条件的微小差异有可能在最终的现象中导致巨大的差异”，“预言变得不可能”。更准确的定义干脆照抄《天体力学基础》的教材好了。“若初始值有一点小偏差，则因这一点偏差引起的轨道未来预报的不准确将会指数增长。”混沌的判据是最大Lyapunov指数，该指数大于0则系统混沌，至于具体计算再扯下去必然公式连篇，故不详谈。 其实混沌理论也不一定要求系统形式上的复杂性，比如描述洛伦兹吸引子的方程组就很简单。关键是，在简单的表象后面莫测的复杂。如今在混沌的研究中，计算机起了很大的作用。至于实际应用，混沌起作用的地方还是很多的，如天气系统、N体运动中的轨道，乃至经济问题……
好想看混沌到底是个什么状态！

巴鲁赫·斯宾诺莎
巴鲁赫·斯宾诺莎（1632年11月24日~1677年2月21日）西方近代哲学史重要的理性主义者，与笛卡尔和莱布尼茨齐名。 斯宾诺莎出生于阿姆斯特丹的一个从西班牙逃往荷兰的犹太家庭。他的父母亲以经营进出口贸易为生，生活颇为宽裕，斯宾诺莎也因此得以进入当地的犹太神学校，学习希伯来文、犹太法典以及中世纪的犹太哲学等。
斯宾诺莎（1632年11月24日（壬申年）~1677年2月21日）接受了拉丁语的训练，而正是凭借着拉丁语，斯宾诺莎得以接触笛卡尔等人的著作。他也由此渐渐脱离所谓正统的学说范围，并最终在24岁时被逐出了犹太教会堂。他最后搬出犹太人居住区，以磨镜片为生，同时进行哲学思考。斯宾诺莎此后一直过着隐居的生活。1673年有人提供他海德堡大学哲学系的教职，条件是不可提及宗教，不过斯宾诺莎婉拒。他在45岁时就去世。
斯宾诺莎出生于荷兰。他的父母亲以经营进出口贸易为生，生活颇为宽裕，斯宾诺莎也因此得以进入当地的犹太神学校，学习希伯来文、犹太法典以及中世纪的犹太哲学等。磨镜片这项工作伤害了他的健康，他在工作的时候吸入了大量的硒尘，这与他的死因--肺痨有直接的关系。
斯宾诺莎的著作中最伟大的莫过于《几何伦理学》简称《伦理学》，该著作一直到斯宾诺莎死后才得以发表。该书是以欧几里得的几何学方式来书写的，一开始就给出一组公理以及各种公式，从中产生命题、证明、推论以及解释。他的其他两部重要的作品包括了《神学政治论》和《政治论》。《神学政治论》的主题是圣经批评与政治理论，而后者则只谈政治理论。
哲学思想
哲学上，斯宾诺莎是一名一元论者或泛神论者。他认为宇宙间只有一种实体，即作为整体的宇宙本身，而上帝和宇宙就是一回事。他的这个结论是基于一组定义和公理，通过逻辑推理得来的。斯宾诺莎的上帝不仅仅包括了物质世界，还包括了精神世界。他认为人的智慧是上帝智慧的组成部分。斯宾诺莎还认为上帝是每件事的“内在因”，上帝通过自然法则来主宰世界，所以物质世界中发生的每一件事都有其必然性；世界上只有上帝是拥有完全自由的，而人虽可以试图去除外在的束缚，却永远无法获得自由意志。如果我们能够将事情看作是必然的，那么我们就愈容易与上帝合为一体。因此，斯宾诺莎提出我们应该“在永恒的相下”看事情。
在伦理学上，斯宾诺莎认为，一个人只要受制于外在的影响，他就是处于奴役状态，而只要和上帝达成一致，人们就不再受制于这种影响，而能获得相对的自由，也因此摆脱恐惧。斯宾诺莎还主张无知是一切罪恶的根源。对于死亡的问题，斯宾诺莎的名言是：“自由人最少想到死，他的智慧不是关于死的默念，而是对于生的沉思。”他的一生也彻底地实践了这句格言，对死亡一直十分平静面对。
斯宾诺莎是彻底的决定论者，他认为所有已发生事情的出现绝对贯穿着必然的作用。他认为，甚至人类的行为也是完全决定了的，自由是我们有能力知道我们已经被决定了，并且知道为什么我们要这么做。所以自由不是对发生在我们身上的事情说"不"的可能，而是说"是"并且理解为什么事情将必须那样发生的可能。
斯宾诺莎的哲学非常类似斯多葛哲学，但是他在一个重要的观点上与斯多葛哲学有尖锐的分歧：他完全反对他们动机可以战胜情感的观点。相反，他主张情感只会被另一个更强的情感取代或战胜。他认为，在主动情感和被动情感有关键的分别，前者是相对可以理解的而后者不是。他也认为，具有被动情感真实动机的知识可以将其转化为主动情感，因此预见了西格蒙德·弗洛伊德心理分析的一个关键的思想。斯宾诺莎的哲学体系对之后17世纪的科学运动的意义在于其决定论的解释，为此后的科学一体化提供了蓝图。他对后来的哲学家，例如谢林马克思、爱因斯坦、谢林、费尔巴哈等人都有过影响。
斯宾诺莎主义
斯宾诺莎主义是具有无神论或泛神论性质的哲学学说。斯宾诺莎否认有人格神、超自然神的存在，集中批判了神学目的论、拟人观和天意说，要求从自然界本身来说明自然，他认为构成万物存在和统一基础的实体是自然界，也就是神。他开创了用理性主义观点和历史的方法系统地批判《圣经》的历史，考察了宗教的起源、本质和历史作用，建立了近代西方无神论史上一个较早和较系统的体系。克服了笛卡儿二元论的缺点，把唯理论与唯物主义和泛神论结合起来。以后的哲学家称具有这种特征的学说为斯宾诺莎主义。
“嘲笑、轻蔑、愤怒、报复……这些情绪，都与恨有关或者含有因恨而起的成分，不能成为善。”
“希望和失望也绝不能是善。因为恐惧是一种痛苦，希望不能脱落恐惧而存在，所以希望和失望都表示知识的缺乏，和心灵的软弱无力。” ——《伦理学》

阿瑟·史密斯
阿瑟·史密斯，美国公理会传教士，中文名明恩溥。1845年出生于美国康涅狄格州，22岁毕业于比岁耶特大学。1872年，他接受美国公理会差遣与妻子来华，先后在天津、山东、河北等地做传教士，从事布道传教、救灾、医药、慈善、教育等活动，并兼任上海《字林西报》通讯员。他在中国居住长达五十多年，成为著名的中国问题专家，其著作对西方社会产生了很大影响。
《中国人的性格》（即《Chinese Characteristics》）一书被公认为世界上研究中国民族性最早、最详尽的著作，先后被译成法、德、日等多国文字.使史密斯在国际上得享盛名。
美国传教士雅瑟·亨·史密斯在所著的《中国人的性格》中，通过列举不同的中国人的性格特征，从一个侧面揭示了我们民族的传统性格。史密斯以在中国生活了22年的经验为基础，诚实而仔细地分析了中国人性格的多个侧面。他为中国人归纳了20多种性格特征，有褒有贬，而且很容易看到一个问题的正反两方面的意义。

阿赫玛托娃
安娜·安德烈耶夫娜·阿赫玛托娃（АннаАндреевнаАхматова），苏联俄罗斯女诗人。原姓戈连科（Горенко）。俄罗斯女诗人。1889年6于23日生于敖德萨一知识分子家庭，父亲是俄海军舰队的机械工程师；母亲出身贵族，受过上层社会的传统教育。刚满1岁便随家搬迁到彼得堡近郊皇村，在那读中学，并开始写诗。
每年夏天，阿赫玛托娃都要随父母到南方的克里米亚别墅度假。1905年父母离异后，她随母亲移居耶夫帕托利亚，由母亲辅导在家自修中学高年级课程。此间写有许多情调低沉的抒情诗。一年后，她寄居基辅亲戚家中，继续就读，1907年毕业于基辅符杜克列耶夫中学，并考入彼得堡女子高等学校法律系。仍酷爱文学，尤对诗歌创作表现出浓厚兴趣。然而她父亲却十分厌恶文学，曾明令禁止女儿用“戈连科”姓发表任何文学作品，故她则取有鞑靼血统的外曾祖母的姓氏“阿赫玛托娃”作为笔名。
1910年高校毕业后，阿赫玛托娃与著名诗人古米廖夫结婚，并到国外旅行，先后到过法国、瑞士、意大利。外国的文化艺术、名胜古迹开阔了她的视野，扩大了她的艺术思维范围，这对她以后的文学创作产生了很大影响。1911年，她在彼得堡阿克梅派诗人杂志《阿波罗》上首次发表组诗，并逐渐成为该派的代表人物之一。1912年她的第一本诗集《黄昏》问世；1914年又发表了第二部诗集《念珠》。这两部宣扬唯美主义诗集的出版，使其名声大振。1917年十月革命前夕，俄国政治形势极不稳定，所有知识分子正处在选择道路、决定命运的时刻。她的另一部诗集《白色的云朵》于此间发表，自然没有引起轰动。
十月革命初期，由于阿赫玛托娃在政治上的不理解和不接受，加之与丈夫感情破裂，使她心情十分压抑。在这段时间她创作的诗歌里，多袒露出其复杂的内心矛盾，如诗集《车前草》和《耶稣纪元》里所收入的诗歌。20年代中期，她开始研究普希金的创作技巧。
卫国战争期间，阿赫玛托娃先后被迫撤离到莫斯科和塔什干等地，出于对法西斯的痛恨，她写过一些保卫俄罗斯，宣传英雄主义和勇敢精神的诗篇，如《勇敢》、《起誓》、《胜利》等，受到红军战士们的喜爱。战后，她继续写抒情诗，主要发表在《星》和《列宁格勒》杂志上。1946年，由于她的诗歌“无思想性”和某些消沉的因素，使她受到联共中央的点名批判，并殃及两家杂志社。
50年代后期，阿赫玛托娃被恢复名誉，苏联先后出版了她的多部诗集，其中包括她于1940—1962年间的组合长诗《没有主人公的叙事诗》，该部作品以现代人的眼光对过去的时代进行了反思和审判。她的作品深受读者喜爱，在西欧也备受赞赏，在国际诗坛享有很高声誉。不少年轻诗人纷纷效仿其诗风。1964年，她荣获意大利的“埃特内·塔奥尔米诺”国际诗歌奖。1965年又获英国牛津大学名誉博士学位。
1966年3月5日，阿赫玛托娃因病在莫斯科逝世。她死后20余年中，许多遗作被陆续整理出版，其中包括1987年首次公开发表的长诗《安魂曲》，改诗以其深邃的思想性、哲理性和艺术上的新颖引起国内外的广泛注意。苏联一些著名诗人和批评家高度赞扬她的诗歌创作，公认她是。“俄罗斯诗歌的月亮”，“诗歌语言的光辉大师”，“20世纪俄罗斯诗坛屈指可数的诗人之一”。除诗歌创作外，她还翻译过许多外国古典著作。
评价
终其一生，我们不难得出这样的结论：诗人的人格与其诗同样不朽！这是一位时代女性，她有强烈的自我意识，她不是男人的附属品，不是家庭、婚姻的牺牲品；这是一位伟大的诗人，她的诗敢于独树一帜，敢于追求纯艺术，敢于在平凡简单中寻找伟大；这是一位伟大的爱情女歌手，敢于以女性视角揭示女性情怀；这是一位爱国诗人，她的诗充满人文精神，她的爱是宽广的，她与她的人民同在。

场记
场记是影片拍摄阶段的一项工作内容，也指担任这一工作的专职人员。主要任务是将现场拍摄的每个镜头的详细情况：镜头号码、拍摄方法、镜头长度、演员的动作和对白、音响效果、布景、道具、服装、化妆等各方面的细节和数据详细、精确地记入场记单。由于一部影片是分割成若干场景和数百个镜头进行拍摄的，拍摄时不能按镜头顺序进行，因此，场记所作的记录有助于影片各镜头之间的衔接，为导演的继续拍摄以及补拍、剪辑、配音、洗印提供准确的数据和资料。场记最重要的任务就是协助导演合理规划镜头，防止穿帮、越轴等失误出现。影片完成后，这些记录还可供制作完成台本之用。
场记的工作内容
场记在电影电视剧中有很重要的作用。
一般场记必须准备三样东西，场记板、场记单、剧本。
场记板是在每个镜头开拍时需要打板用的。在板子上记录摄像机将要拍摄的集数、场数、镜数。然后被摄像机拍摄。
场记单，场记单有一定的格式。先写上集数、场数、镜数、条数。再写上拍摄的内容。最后记录时间码。并且要对导演满意的条数做记录。
剧本是对现场的记录导演对画面的要求，比如如何分镜，镜别等等；以及细节之类的，比如：演员在这场戏是穿什么衣服、什么鞋子需要与哪一场戏连戏等等。
做一个场记要时时在导演身边，及时记录导演所说的。
工作内容补充：
1、对拍摄的每一个镜头和导演及主要创作人员的艺术处理进行详细的记录；
2、对景号、镜号、拍摄内容、拍摄方法、镜头长度、演员的对话、服装、道具进行核对记录，保证被分割的若干场景和众多的镜头顺利拍摄，为后期剪辑、配音、洗印等提供数据和材料。

里尔克
里尔克是二十世纪顶顶有名的德语诗人之一。
生平：【赖内·马利亚·里尔克，R．M 】（Rainer Maria Rilke 1875～1926）奥地利诗人。生于铁路职工家庭，大学攻读哲学、艺术与文学史。1897年后怀着孤独、寂寞的心情遍游欧洲各国。会见过托尔斯泰，给大雕塑家罗丹当过秘书，并深受法国象征派诗人波德莱尔等人的影响。第一次世界大战时曾应征入伍，1919年后迁居瑞士。
里尔克的早期创作具鲜明的布拉格地方色彩和波希米亚民歌风味。如诗集《生活与诗歌》（1894）、《梦幻》（1897）等。但内容偏重神秘、梦幻与哀伤。欧洲旅行之后，他改变了早期偏重主观抒情的浪漫风格，写作以直觉形象象征人生和表现自己思想感情的“咏物诗”，对资本主义的“异化”现象表示抗议，对人类平等互爱提出乌托邦式的憧憬。著名作品有借赞美上帝以展现资本主义没落时期精神矛盾的长诗《祈祷书》（1905）、《新诗集》（1907）和《新诗续集》（1908）。晚年，他思想更趋悲观。代表作为长诗《杜伊诺哀歌》（1923）和诸多14行诗。
里尔克的诗歌尽管充满孤独痛苦情绪和悲观虚无思想，但艺术造诣很高。它不仅展示了诗歌的音乐美和雕塑美，而且表达了一些难以表达的内容，扩大了诗歌的艺术表现领域，对现代诗歌的发展产生了巨大影响。

保罗·约瑟夫·戈培尔个人名言
“我们的宣传对象是普通老百姓，故而宣传的论点须粗犷、清晰和有力。”
“真理是无关紧要的，完全服从于策略的心理。”
“我们信仰什么，这无关紧要；重要的是只要我们有信仰。”
“宣传的基本原则就是不断重复有效论点，谎言要一再传播并装扮得令人相信。”
“群众对抽象的思想只有一知半解，所以他们的反应较多地表现在情感领域。情感宣传需要摆脱科学和真相的束缚。”
“如果撒谎，就撒弥天大谎。因为弥天大谎往往具有某种可信的力量。而且，民众在大谎和小谎之间更容易成为前者的俘虏。因为民众自己时常在小事情上说小谎，而不好意思编造大谎。他们从来没有设想编造大的谎言，因而认为别人也不可能厚颜无耻地歪曲事实……极其荒唐的谎言往往能产生效果，甚至在它已经被查明之后。”
“大众传播媒介只能是党的工具，它的任务是向民众解释党的政策和措施，并用党的思想理论改造人民。”
“宣传是一个组织的先锋，宣传永远只是达到目的的手段。”
“宣传如同谈恋爱，可以做出任何空头许诺。”
“即使一个简单的谎言，一旦你开始说了，就要说到底。”
“谎言重复千遍就是真理。”
“报纸是教育人民的工具，必须使其为国家而服务。”
“报纸上的言论，应当趋于一致的目的，不能被出版自由的邪说所迷惑。”
“报纸的任务就是把统治者的意志传递给被统治者，使他们视地狱为天堂。”
“人民大多数比我们想象的要蒙昧得多，所以宣传的本质就是坚持简单和重复。”
“必须把收音机设计得只能收听德国电台”
“从波罗的海的什切青到亚得里亚海边的里雅斯特，一幅横贯欧洲大陆的铁幕已经降落下来”——此话后来被丘吉尔引用到演说《和平砥柱》（铁幕演说）中。

美术分支
中国画（国画）
汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画被称为中国画，是五四以后相对西方绘画而产生的，又称国画。
中国传统绘画（区别于“西洋画”）泛指在中国民族的土壤上长期形成和发展起来的、在世界美术领域中自成独特体系的中国民族绘画。它的精神内核是“笔墨”。它是用毛笔、墨以及中国画颜料，在特制的宣纸或绢素上作画。按表现题材，可分为人物、山水、花竹、禽鸟、畜兽、虫鱼、宫室等画料。按表现手段和技法，可分为工笔、写意、钩勒、没骨、设色、水墨等画法。按幅面样式，可以分为立轴、横卷、册页、扇面等款式。中国画十分重视笔墨，运用线条、墨色和轻重彩色，通过钩皴点染，干湿浓淡并用，来表现客观物象的形体结构，阴阳向背；并运用虚实疏密结合和“留白”等手法来取得巧妙的构图效果。中国画的空间处理也比较自由灵活，即可以用“以大观小”法，画重山叠嶂；也可以用“走马看山”法，画长江万里。中国画物别讲示“形神兼备”“气韵生动”，不但主张要“外师造化”，中国画在画面上还题写诗文，加盖印章，将诗文、书法、篆刻融为一体。 按世界性文化艺术进程，中国绘画广义地包涵传统中国画和现代中国画两大画种，既狭义地相互独立，也有广义地与西方美术融合融汇，其主要表现为艺术构思和图画寓意的显著不同。
油画
油画是西洋画的主要画种。以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，色彩丰富，能充分表现出物体的色彩变化，极富真实感。当画面干燥后，能长期保持光泽。油画一般重形似、重再现、重理性，运用焦点透视、解剖等知识塑造形象。
版画
版画（print) 是视觉艺术的一个重要门类。广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。当代版画的概念主要指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品，具体说是以刀或化学药品等在木、石、麻胶、铜、锌等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。古代版画主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。独特的刀味与木味使它在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。
雕塑
雕塑是“造型艺术”的一种，是雕、刻、塑三种制作方法所塑造的艺术形象的总称。以各种可塑的粘土等或可雕可刻的木、石等材料、制作出各种具有实在体积的形象，表现手法一般借助于体积和结构等。雕塑一般分为圆雕、浮雕两种。由于用途的不同，也分为架上雕塑、纪念性雕塑、装饰性雕塑、建筑性雕塑等。
抽象国画
中国抽象国画，是中国绘画中的一种现代中国画，它必须具有中国文化元素的最重要特征，它是传统的中国国画艺术的继承、发展和升华。同时，这种从“古”而来的艺术构思深邃的中国抽象国画艺术，对真正从事“画艺”的传统中国国画家，提出了更高的艺术要求。
内画
内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。内画的画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。内画艺术分为京、冀、鲁、粤四大流派，其中尤以冀派内画水平最高、规模最大、发展最快、影响最大，不久前已入选国家非物质文化遗产保护名录，冀派内画的发源地——河北衡水，还被文化部命名为“中国内画之乡”。
清光绪十六年，北京的内画鼻烟壶工艺传到了琉璃之乡——山东博山。画师毕荣九利用本地生产的高级琉璃水晶料做壶坯，开始制作琉璃内画鼻烟壶，成为博山内画艺术的创始人和我国内画史上的一代名师。1956年，老艺人薛京万、张文堂在博山美术琉璃厂招收艺徒，传授技艺，恢复了内画产品的生产。1958年，老艺人薛京万发明了内画毛笔，同时发明了不怕水的烤彩内画鼻烟壶。内画毛笔的发明，是内画艺术史上一个重要的里程碑。内画毛笔与原来的竹笔比较，有着极大的优越性，使用起来得心应手、宜书宜画，极大丰富了内画艺术的表现力，又提高了效率。在此基础上，山东内画艺术家们，从60年代开始创作了《水浒108将》《清明上河图》《红楼梦》《洛阳兴殿图》《百子图》《百兽图》《百美图》《百鹤图》《泰山雄姿》等一大批内画艺术珍品。这些作品多以历史典故、神话传说、传统题材进行创作，场面宏大、人物众多、构图饱满、层次分明、刻画细微、工整蕴藉，人物生动传神，动物栩栩如生，工艺技法各具风格，形成了自己的内画艺术特色，被国内外收藏家、爱好者和国际烟壶协会誉为“山东画派”。
手绘
手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。在中国应该算是近些年（2000年左右）新起的一行，如手绘鞋，手绘T恤，人形抱枕，手绘钱包等，都是主要的手绘对象[6]。手绘即在原纯色物品基础上，根据产品的款式、面料以及顾客的爱好，画师在鞋面上用专门的手绘颜料绘画出精美、个性的画面，在不影响产品使用性的基础上，更增添其可观性．如一双鞋子的画面，可以是漫画卡通，真人素描，亦可以是风景、图案或装饰纹样；可以是故事片段配上文字，亦可以是顾客自己的所爱图片加真情告白。只要是可以绘画的，基本都能在鞋面上呈现出来。简单地说，鞋面上有手工绘画画面的鞋子就称为手绘鞋。因为其手工性，比印刷品的工业机械性更具有欣赏价值；因为其绘画性，比工业设计以实用为先更具有艺术价值。它借鉴了印刷品，但更多的灵感来自于画家；它以工业设计并生产好的产品为载体，但并不为其左右，绘影手绘设计师可以尽情发挥。手绘鞋，因为是鞋，是商品，必然具有商品属性，但是手绘鞋的价值又具有双重性：一是鞋的价值；二是手绘的价值。因此，它的价格，就不能只用鞋子的价格来比较，还要考虑到手绘的价值。手绘鞋因其能够充展现年轻人的个性和对艺术的追求，并极大满足了现代人DIY的心理，又是一种新奇特的产品，从产生以来一直受到时尚年青人的追捧，特别是近些年来在欧美、日韩、台湾等地刮起了“涂鸦文化”的旋风，手绘品开始成为时代的新宠，并开始在中国的大型商场、手绘批发公司、专卖店里面出现。
指画
指头画又称指画，指画至今已有300多年的历史，是中国传统绘画一个旁支。指头画，一般不用或极少用毛笔。史书上记载得比较明确的创始人是清初康熙年间的高其佩。以后画指画的人日益增多，成就卓著者有潘天寿大师。他的指画气势博大精深，格局新颖高雅。
工艺美术
是对物质材料进行艺术性的改造与加工，使之具有实用价值和审美价值的一种造型艺术。既满足人们的物质生活需要，又满足人们精神生活的需要，是实用和审美的结合，技术和艺术的统一。从使用角度可分为日用工艺美术和陈设工艺美术；从在我国发展的历史和艺术形态来看可以归纳为民间工艺、特种工艺、视觉传达、工业设计和环境设计五大类。
书法
①中国传统艺术的一种。
②写汉字的方法。中国书法根据汉字的造型规则，运用点画构成各种形态以表情达意。有篆书体、隶书体、草书体、楷书体、行书体、燕书体等六种基本书体。书法美的基本因素是点画，其次才是由点画组成的结体。故书法用笔至关重要，是对提按、藏露、转折、轻重、缓急、方圆等矛盾关系的掌握和运用，须讲究指忌浮滑轻薄。就能篇而论，书法美在于字里行间气势、节奏、韵律及其所传达的意兴情绪。各种书体均讲究结构横直安排有致，顾盼呼应；布局疏密得宜，首尾连贯。

素描
一种主要以单色线条和块面来表现物象的绘画形式。通常作为锻炼绘画基本功的手段，以训练观察和表现客观物象的形体、结构、明暗、质感、量感和空间感的能力。素描亦可作为一种独立的艺术形式运用于创作。如画家王式廓的作品《血衣》即其一例。
水粉画
用水调合粉质颜料描绘出来的图画。水粉颜色一般不透明，有较强的覆盖能力，可进行深细致的刻画。运用得当，能兼具油画的浑厚和水彩画的明快这二者的艺术效果。
美术字
美术字是经过美化，装饰而成艺术加工的实用字体，字体整齐、 醒目、美观、易认，是开展宣传、教育不可缺少的工具，如横幅标语、黑板报、墙报、会场布置、展览会，以及商品包装和装潢，各类广告、 报刊杂志和书籍的装帖上等都要写美术字。
美术字体特点
1.老宋体：端庄大方、笔划横细直粗，点上尖下圆，横划收笔有顿角，笔划转折时顿角明显。
2.仿宋体：挺直、秀丽，笔划横直较细，起笔，收笔都有明显的顿迹。
3.黑体：笔划方头方尾，醒目有力。
4.包括数字，文字，外文都可以设计成美术字体。
5.如今的几乎和美术方面有关的字体都可以设计成漂亮，美观，具有艺术色彩的丰富花样的。
6.一幅美术上配上鲜艳的色彩的美术字，就会给整幅作品锦上添花，更能吸引眼球。
写美术字的过程
1.打格：根据应用场合的需要,确定字的大小和形状。
一般学生容易忽视打格子,因此,此步骤应强调。
2.布局：美术字的布局首先要了解字体的组织结构和基本笔画的特点。
汉字的组合结构有单独结构，如“民”等；有左右结构，如“行”等；有左中右结构，如“做”等；有上下结构，如“春”等；有上中下结构，如“草”等；有里外封闭结构，如“国”等；有里外半封闭结构，如“区”等，还有“品”字形组合的，如“森”等。
布局时应根据每个字的组合结构，划分各部分的比例。
3.定骨架：用单线划出字形,用笔要轻，笔迹宜淡。
4.双勾字形：笔画要统一,按骨架的位置画出笔画。
5.填色：按需选择颜色,填色一般先画轮廓,再在中间填色。
美术字的变化方法并不是一个死板的公式，而是可以灵活应用的，有些方法可以结合起来，比如一个立体的美 术字还可以进行笔画、字形或结构的变化。只有这样，才能真正写好美术字。时下传统的美术字课已经被字体设计课程所取代，字体设计能摆脱字库字体的机械化，字体设计可以只设计一个字或几个字，不用考虑其他字的设计笔画．设计出来的字体，可以当标志，可以当插画等等用途。[8]
壁画
绘在建筑物的墙壁或天花板上的图画。分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等。壁画是最古老的绘画形式之一，埃及、印度、巴比伦保存了不少古代壁画，意大利文艺复兴时期，壁画创作十分繁荣，产生了许多著名的作品。我国自周代以来，历代宫室乃至墓室都有饰以壁画的制度；随着宗教信仰的兴盛，又广泛应用于寺观、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永乐宫，至今大量保存着著名的佛教壁画和道教壁画遗迹）。
漫画
漫画是绘画种类之一，又称讽刺画。高速画一词来源于意大利文“Caricare”，义为夸张，后来演变为专指具有讽刺和滑稽意味的图画，即“Caricature”一词。通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。
写生
中国画传统的术语。将描写花、木、鸟、兽等生物的绘画称为写生，如五代黄筌《写生珍禽图》。在现代通常的绘画用语中，凡是直接以实物、实景为对象进行描写，统称为写生。
速写
以迅速而准确的观察力，运用简练的线条，扼要地描画出对象的神态、形体、动作等特征的一种画法。它是培养作画者敏锐的观察力和迅速把握对象特征的概括力的重要绘画手段，也是记录生活，积累创作素材的重要手段。
白描
白描画法以墨线描绘物体而不著颜色，白描画法以线条为主，也可渲染淡墨。画线条时，要使笔墨结合形相的特质，笔法的转折顿挫，线条的粗细浓淡，皆要以所表现物件的质感或特色为依归，譬如以较细较淡的线条画花瓣，容易表现出其娇嫩柔软；以较粗较浓的线条画叶与枝梗，较易表现其硬而厚的质感；以略干且下笔、收笔皆虚的细线条画禽鸟的羽毛，较易表现羽毛蓬松而柔软的感觉。
描有单钩和复钩两种。用线一次画成的叫单钩。单勾有用一色墨钩成的，也有根据不回物件用浓淡两种墨钩成的，例如花用淡墨钩，叶用浓墨钩。复钩是先用淡墨完全钩好，然后根据具体情况决定复钩一部分或全部。复钩的线不能依原路的线刻板地重叠钩一道。复钩的目的是加重质感和浓淡的变化，使物象显得更有神采。白描是用线条、用墨线浓淡、粗细、虚实、轻重、刚柔、曲直的表现技法。
在白描画中，线条的优劣是一幅画成败的主要关键。白描画运笔宜以中锋为主，用笔的压度和速度要均匀，钩出的笔线要有“外柔内刚”的效果，力量要涵蓄在内，不宜显露于外；缺乏涵蓄的笔墨，不耐久看。锋芒过多、力量外露都容易表现出一种霸悍的气象，有时尚可减低某些花卉、禽鸟的美感，故白描画的线条要“寓刚建于婀娜中”。
到了明嘉庆年间，邹得中总括前人丰富的创作经验，在其著作《绘画发蒙》中，提了“十八描”的说法，这十八种描法是：
1.行云流水描
2.高古游丝描
3.铁丝描
4.柳叶描
5.琴弦描
6.蚂蝗描
7.混描
8.橛头钉描
9.曹衣描
10.钉头鼠尾描
11.折芦描
12.减笔描
13.战笔水纹描
14.竹叶描
15.橄榄描
16.蚯蚓描
17.枣核描
18.枯柴描
以上十八种描法是古人根据当时的服装（大都是宽袍大袖）领略出，有些是唐朝以前就可以见到，有些则是后来逐渐添加的，然而这十八描并不是包罗前人所有的描法，也有人主张简化为五种，或合并为三大类。擅长白描人物的当代画家董梦梅先生则指出十八以线条描法的形状命名，并不妥当。他针对用笔的方法，提出了“用笔十法”，即
1.悬针笔法
2.抽丝笔法
3.自由笔法
4.铁丝笔法
5.来无影去无踪（双尖笔法）
6.连接笔法
7.拖拉笔法
8.擅斗笔法
9.跳跃笔法
10.倒插笔法
以上董梦梅先生细分的十种用笔方法，有些也适用于白描花鸟画中。

音乐风格
古典音乐
什么是古典音乐？在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同。最狭义的解释是，把十八世纪下半叶至十九世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典乐派”的作品特指为“classical music”。最广义的解释则是，把时间前移到欧洲文艺复兴时期，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至十九世纪末、二十世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为“classical music”。
流行音乐
流行音乐是根据英语popular music翻译过来的。按照汉语词语表面去理解，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有"大众音乐”之称。但是，这样的界定有可能使那些本不属于流行音乐的音乐如《国际歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等，仅仅因为它们也在群众中广泛流传而都可被划归为流行音乐。另一方面，又把那些分明是流行的音乐，由于它们流传不开（这在流行音乐中也为数不少）而排除在流行音乐之外。显然，流行音乐不一定都流行，流行的音乐也不只是流行音乐。流行音乐准确的概念应为商品音乐，是指以赢利为主要目的而创作的音乐。它是商业性的音乐消遣娱乐以及与此相关的一切“工业”现象。（见前苏联《音乐百科词典》1990 年版）它的市场性是主要的，艺术性是次要的。
民族音乐
狭义地讲，所谓中国民族音乐就是祖祖辈辈生活、繁衍在中国这片土地上的各民族，从古到今在悠久历史文化传统上创造的具有民族特色，能体现民族文化和民族精神的音乐。而广义上，中国音乐是泛指世界上具有五声调式特征的音乐。
中国的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式。中华民族在几千年的文明中，创造了大量优秀的民族音乐文化，形成了有着深刻内涵和丰富内容的民族音乐体系。这一体系在世界音乐中占有重要的地位。我们要认识中国音乐，不能仅仅会唱一些中国歌曲，听几段传统乐曲，还必须从民族的、历史的、地域的角度去考察中国音乐，了解中国音乐，从而真正理解中国音乐的内涵，了解它在世界音乐体系中的地位和历史价值。中国民族音乐分为：民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐和民间戏曲音乐。

朱哲琴
朱哲琴，祖籍湖南长沙，生于广州，在家里排行老三。是中国新音乐代表人物，第一位真正走向世界的中国乐坛奇才。曾在北京、成都、上海学习音乐和声乐。早期以《一个真实的故事》获得“中国青年歌手电视大奖赛”亚军(1990)。
朱哲琴Dadawa
中国天籁，音乐艺术家，“世界看见”中国民族文化保护与发展亲善行动创始人
朱哲琴，中国新音乐代表人物，第一位真正走向世界的中国乐坛奇才。 “世界看见”中国民族文化保护与发展亲善行动创始人。
祖籍湖南长沙，生于广州，曾在北京、成都、上海学习音乐和声乐。
朱哲琴参与制作和演唱的《阿姐鼓》专辑行销全球56国累计销量三百万张,音乐影像片在81国首映播放,为中国和世界乐坛缔造音乐里程碑。其最新创作的《世界听·见·朱哲琴与民族歌乐师》已于2010至2012年间，先后在香港、上海、广州、杭州、北京、德国汉堡上演。
朱哲琴以其独特的嗓音和与众不同的创作哲思，与中国当代音乐视觉时尚先锋跨领域合作制作出版音乐专辑、影像作品、舞台表演等被中外爱乐者奉为经典。
曾登台国家大剧院、北京人民大会堂、英国皇家音乐学院、卡内基音乐厅、波士顿音乐厅、香港文化中心大剧院等艺术表演殿堂。
曾有媒体这样评价:“如果你在外国的唱片店发现只有一张CD来自中国，那么它极有可能是朱哲琴的”。被称为“惟一得到国际认可的中国歌手”的朱哲琴，与富有创造精神的音乐家何训田合作，在上世纪九十年代发行了3张录音室唱片，《黄孩子》、《阿姐鼓》和《央金玛》。1995年，在56个国家和地区同步发行的《阿姐鼓》CD唱片成为国际唱片史上第一张全球发行的中文唱片，朱哲琴由此享誉世界歌坛，一跃成为国际级歌手。
2009年1月，朱哲琴受联合国开发计划署（UNDP）邀请，担任亲善大使，同年与UNDP共同发起“世界看见”中国民族文化保护与发展亲善行动，集结当代艺术家、设计师、音乐家、媒体、学者的力量，从民族音乐及民族手工艺两部分开展工作，致力于推动中国多元民族文化走向世界。

何训田
何训田，男，汉族，中共党员，著名作曲家、制作人。用快乐表达哀伤的人，是中国当代第一位用自己的作曲技法创作的作曲家，推出了《阿姐鼓》、《央金玛》和《波罗蜜多》、《七日谈》等专辑。 现为上海音乐学院教授、博士班导师、作曲指挥系系主任。其学生的作品多次在国内和国际作曲比赛中获得高奖。作为音乐界重要代表人物之一，曾多次应邀出席国际音乐节和国际作曲家会议。传略被编入《新格罗夫音乐与音乐家大辞典》(The New Grove Dictionary of Music and Musicians)和英国剑桥国际传记中心编纂的各类《世界名人录》。
何训田，他创作的《阿姐鼓》是国际唱片史上在全球发行的第一张中文唱片。专辑《阿姐鼓》1995年在全球56个国家同步出版发行，引起轰动。
何训田出生教师家庭，兄弟姐妹六个，他排行老四。从事数学教育的父母似乎并无特殊的艺术才华，但六姐弟中有一半后来走上了艺术之路。八岁之前，何训田已经决定：将来要当一名作曲家。那时候，他已经会自己写一些简单的旋律。他绝对相信天赋，因为在进四川音乐学院之前，他在音乐领域的所有摸爬滚打，并无师承。第一次听到小提琴，四个空弦一拨出来，何训田当场着迷。那时一把小提琴售价30元，足以让一家人不吃不喝一个月。他瞒着父母，去嘉陵江上当纤夫。这是世界上最残酷、最劳累的体力劳动。纤夫们一天要吃九顿饭才能应付超负荷的体力支出。即使是这九顿饭，也是在此岸无路可走，纤夫们上船过河，到对岸继续去拉的间隙匆匆吞下。纤夫端着滚烫的瓦罐，马上舀起嘉陵江水倒在饭上降温，谁先吃完，谁就可以抢到纤绳最顶端的有利位置。他用纤夫队预付的那一半报酬，买到了小提琴。以上一切，统统发生在何训田十二岁之前。
1986年，何训田的作品《天籁》首演，标志着RD作曲法实验成功。何训田认为，人类为了交流方便，抽象出其中的几个音来，比如五音律、七音律，或十二音律。如果在钢琴上固定出了十二个音，曲子作出来，全世界都可以演奏。但发展到一定程度，十二音律又会极大地限制了作曲。所以一定将有第三个时期，音乐的材料被无限扩展，又从十二个音变成无穷多的音。何训田这些年的工作，就是“摸索RD作曲法的可能性”。
何训田的音乐之路，一直充满了野生的思维和智慧。直到现在，他仍处在矛盾之中，一方面，他鼓励学生走自己的路，另一方面，他又意识到，自己对学生来说是有害的，因为他所教他们的，跟社会或专业里的一切又是不吻合的。教学和行政的工作，占据了他一半以上的时间与精力，也逼着他养成了一种随时进入创作状态的好习惯。前一分钟还在和人谈工作，转脸马上就可以作曲。
2003年，“中国第三种音乐”首倡导者、履行者何训有新创歌曲唱片集《说唱俑》，由中国唱片总公司和中国唱片成都分公司联合出版发行。中国唱片总公司总裁赵大新“关键它是民族的”一句话，言简意赅，一语中的何训有作品的内涵。从小就酷爱音乐的何训有，20岁时考入成都军区空军指挥部文工团，成为首席小提琴手，兼二胡独奏、作曲、指挥，他与生具来的音乐天赋开始在现实中实现。
20世纪末期到世纪之交，中国音乐正在寻找着通向国际乐坛之路。1991年，第一次亚洲音乐节期间，何氏二兄弟何训有、何训田闪亮登场，第一部唱片集《第三种音乐》，获得评委高度评价，一举夺得一、二、三等奖。尔后，“第三种音乐”在歌手中火爆起来，《阿姐鼓》敲响大江南北。各种媒体或称他们为“代表中国原创音乐走向世界的一代精英”，或认为他们开创了“中国新世纪音乐”，走向世界音乐的一个新领域。这个新领域的代表作品就是何训田、何训有和朱哲琴合作的《阿姐鼓》、《央金玛》和今年出版发行的《说唱俑》。何氏两兄弟的作品各有千秋，对创作第三种音乐的追求却是共同的。他的传略被编入《新格罗夫音乐与音乐家大辞典》The New Grove Dictionary of Music and Musicians和英国剑桥国际传记中心编纂的各类《世界名人录》。

普利策奖
普利策奖也称为普利策新闻奖。 1917年根据美国报业巨头约瑟夫·普利策（Joseph Pulitzer）的遗愿设立，二十世纪七八十年代已经发展成为美国新闻界的一项最高荣誉奖，现在，不断完善的评选制度已使普利策奖成为全球性的一个奖项。 约翰·肯尼迪（John Kennedy，1917年5月29日－1963年11月22日）是唯一获得这个奖项的美国总统。
当年4月中的一天公布结果，并于5月由哥伦比亚大学校长正式颁发。
普利策奖分为两类，新闻界和创作界。普利策奖也是一个鼓励美国的奖。新闻界的获奖者可以是任何国籍，但是获奖条目必需在美国周报（或日报）中发表的。创作界获得者必须是美国公民，唯一例外的是历史奖。只要是[2]关于美国历史的书都可获奖，作者不必是美国人。
普利策奖包括新闻奖和艺术奖两大类，其中新闻奖主要有：公共服务奖、报道奖、社论奖、漫画奖、批评评论奖、通讯奖、特写奖、新闻摄影奖等；文学艺术奖有小说奖、戏剧奖、诗歌奖、美国历史作品奖、自传或传记奖和非小说作品奖；音乐作曲奖1项。另外，还颁发2项特别奖。
美国普利策奖的奖金为7500美元，但获得公众服务贡献奖的报道不得奖金，获奖的报社将得到一枚普利策金牌。普利策当初遗赠的基金为50万美元，后来基金管理机构又筹措了100多万美元。该奖由包括哥伦比亚大学校长在内的16人组成的普利策奖金评选委员会评选，每年一次，评选结果一般都是在4月份中旬的一天由哥伦比亚大学校长宣布，5月份颁奖。
首届普利策摄影奖是1942年颁发的。此后，除1946年外，每年颁发一次。从1968年开始，摄影类增设了专题新闻摄影奖，获奖作品通常由一组照片组成。